Sinkabout Наводим на мысли

Не первый план: закадровая часть кинопроизводства

«Политый поливальщик» — первый в мире короткометражный немой игровой фильм, снятый братьями Люмьер. Картина продолжительностью в 49 секунд увидела свет в 1895 году. По мнению кинокритика Жоржа Садуля, наряду с фильмом «Прибытие поезда» это самый популярный фильм братьев Люмьер, который благодаря наличию сценария приобрёл известность и значимость. По его словам, «успех сюжета в фильме проложил дорогу киноискусству». С тех пор кинематограф развивался с головокружительной скоростью, и сейчас, спустя более ста лет, невозможно создать качественную картину, основываясь только на сюжете. Полное впечатление складывается из огромного количества элементов, среди которых важна так называемая «техническая» часть: звуковые и визуальные эффекты, монтаж. Sinkabout — об особенностях «технической» составляющей кинопроцесса.

Визуальные эффекты

Первый «Оскар» за лучшие визуальные эффекты был вручён в 1929 году инженеру-кинотехнику Рою Померою, осуществившему комбинированные съёмки сцен воздушных боёв в фильме «Крылья». Прототипом современной компьютерной графики стали первые анимационные фильмы. Началось всё с очень простых короткометражек, создатели которых в новом кадре немного изменяли исходное изображение, нанесённое на доску для рисования мелом, чтобы получить на плёнке движущиеся фигуры. Первая сохранившаяся до нашего времени работа, выполненная с помощью такой техники, — картина 1906 года «Юмористические выражения смешных лиц».

Первым успешным анимационным фильмом стал «Динозавр Герти», выпущенный в 1914 году. В процессе создания короткометражки была проделана колоссальная работа: для неё было приготовлено около 10 тысяч рисунков, нанесённых на тонкие листы рисовой бумаги. «Герти» стал первой анимационной картиной, созданной по методу ключевых кадров, когда сначала рисуются так называемые кейфреймы (начальные и конечные позиции объекта), а затем промежуточные фазы, их соединяющие. Этот метод применялся при создании почти всей классики Уолта Диснея, а с развитием компьютерной графики стал использоваться и в кинематографе. Параллельно с анимацией в кинематограф пришли миниатюры. Прорывом в этой области стала картина Жоржа Мельеса «Полёт на луну» 1902 года выпуска. Данный приём стал одним из самых популярных в кинематографе и неоднократно применялся в работах таких режиссёров, как Стивен Спилберг, Кристофер Нолан, Джордж Лукас.

Кадр из фильма «Полёт на луну». Источник: nme.com

В 1907 году на киносъёмках впервые использовали «matte painting» — прообраз современного хромакея. Сейчас декорации дорисовывают с помощью компьютера на стадии постпродакшна, а в начале ХХ века фон рисовали собственноручно. Перед художниками стояла задача создать рисунок, который гармонично смотрелся бы в кадре на фоне реквизита и актёров. Данный метод широко применялся вплоть до конца 90-х, но постепенно был вытеснен цифровыми спецэффектами. К примеру, «matte painting» был использован Джеймсом Кэмероном в его культовом «Титанике».

«Matte painting» для фильма «Звёздные войны». Источник: consequenceofsound.com

В 1961 году в прокат вышел фильм «Ловушка для родителей», в котором использовался до сих пор популярный приём — дублирование. Тогда для достижения нужного эффекта камеру фиксировали на штативе, снимали два дубля, не сдвигая её с места, а затем накладывали кадры друг на друга на этапе монтажа. Кстати, данную технику успешно освоил Леонид Гайдай. В одной из сцен фильма «Иван Васильевич меняет профессию» героиня Натальи Крачковской поочерёдно трогает рукой двух героев Юрия Яковлева, одновременно находящихся в кадре.

Кадр из фильма «Иван Васильевич меняет профессию». Источник: pinterest.ru

В конце 90-х и начале нулевых визуальные эффекты развивались крайне стремительно. Например, эффект «Bullet time» из фильма «Матрица» стал революционным и культовым. Бурное развитие привело к появлению технологии захвата движения («motion capture»). Её громкий дебют в кино состоялся во второй части «Властелина колец» Питера Джексона: Голлум, исполненный Энди Сёркисом, стал первым компьютерным персонажем, активно взаимодействовавшим с живыми героями. Для осуществления захвата движений каждую сцену с участием Сёркиса одновременно снимали 13 камер, после чего изображения собирались в единую 3D-модель, обладающую всеми основными чертами актёра. В 2009 году на экраны вышел «Аватар» — проект Джеймса Кэмерона, в котором впервые была применена технология «performance capture». Чтобы компьютерные персонажи на экране выглядели максимально правдоподобно, запись движения тел и лиц актёров велась одновременно с записью звука.

Звуковые эффекты

На западе существует термин «foley», означающий процесс живой записи звуковых эффектов, которые будут добавлены в фильм на этапе постпродакшна для улучшения качества звука. Специалист по записи шумовых эффектов, применяющихся для кино, — «foley artist» (в русском киносообществе данных специалистов называют шумовиками).

Оба термина названы в честь Джека Фоли — пионера записи и воссоздания шумовых эффектов. В эпоху немого кино Фоли был каскадёром студии «Universal». Когда конкуренты выпустили первый звуковой фильм, студия начала подготовку звуковой бригады, и Фоли, ранее работавший на радио, попал в неё. Его задачей было переделать немой мюзикл «Плавучий театр» в звуковой. К слову, до наших дней не сохранилось ни одной записи голоса Джека Фоли.

Джек Фоли. Источник: nowmag.com

На заре звукового кино шумовики озвучивали каждый монтажный кадр в один приём, а при ошибке переозвучивали весь кадр. Если, например, в кадре есть шаги по разным поверхностям и выпавший из кармана ключ, шумовая бригада должна вовремя бить ботинками по этим поверхностям, а когда выпадет ключ — бросить ключ перед микрофоном. Современные звукооператоры используют нелинейный метод монтажа, при котором можно акцентировать тот или иной звук, сделать его громче или тише, записать отдельно все необходимые шумы и наложить их друг на друга.

Стефан Фратичелли — саунд-дизайнер, работавший над такими фильмами, как «Сайлент Хилл», «500 дней лета», «Мой парень — псих», «Побег». В своём «Инстаграме» он делится процессом создания звуков.

Хруст ломающихся костей лучше всего воссоздаётся с помощью белокочанной капусты

Звукорежиссёр Ирина Викулина о своей профессии:

«Звукорежиссёр — это человек, который занимается драматургией, психоакустикой. Он должен направить актёра, подсказать, как крикнуть, откуда, как открыть голос, прикрикнуть на артиста, если нужно. Если у актёра первый опыт, нужно научить его разминаться, показать, как нужно дышать. Звукорежиссёр — это и швец, и жнец, и на дуде игрец. Он всё должен уметь. Приходит продюсер, говорит: «Завтра сдаём». За ним приходит режиссёр, говорит: «Я хочу переписать шаги». Шумовика не вызовешь, тогда идёшь сам, записываешь. Или: «А тут слова не хватает». Если мужская реплика, то ставишь перед микрофоном мужчину-звукорежиссёра, если женская — то сама. Ещё давно в кино поняли, что звук, который записывается во время съёмки, получается очень блёклым и заглушается лишними шумами. Полученную картинку приходится переозвучивать. Раньше это делали с помощью живых звуков, но теперь, благодаря развитию качественных фонотек, вживую озвучивают всё меньше и меньше. Например, в США услуга «foley artist» стоит довольно дорого. Поэтому сейчас всё больше используют библиотеки звуков. Однако такие штуки, как шаги или, например, шуршание одежды, всё же удобнее записывать по старинке. Шаги — это вообще наша основная задача. Так как они попадаются довольно часто в фильмах и сериалах, намного легче записать их, не подстраивая звук из фонотеки, а с одного или двух дублей всё сделать вживую».

Ирина Викулина за работой в студии. Источник: tvkinorafio.ru

Монтаж

В киноведческом сообществе распространено мнение, что киномонтаж — единственный вид искусства, появившийся за последние сто лет. Кино как таковое данной идеей отрицается по причине того, что оно является синтезом всего, чем человечество ранее восхищалось в литературе, живописи, театре, фотографии. От профессионализма специалиста по монтажу зависит, насколько качественным будет конечный результат, так как из всей массы видеоматериала (а это не один десяток часов) нужно выбрать итоговые полтора-два.

Во времена «плёночного кино» процесс монтажа был крайне трудоёмким по причине того, что работать приходилось с оригинальными негативами. Плёнка не единожды разрезалась на фрагменты и склеивалась обратно, что приводило к её порче. Позже технологии позволили создавать специальные копии — «позитивы». При этом работа велась исключительно над формированием общей формы киноленты и последовательностью кадров, а на плохой звук, отсутствие музыки, разницу в яркости и контрастности фрагментов плёнки внимание не обращали — всё это исправлялось позже. Если режиссёру не нравился полученный результат, всё приходилось переделывать: плёнку разрезать обратно, менять её куски местами и т. д. После утверждения черновой сборки составлялся список всех нужных разрезов и склеек видеоматериала. Далее, опираясь на свои заметки, монтажёр воссоздавал точно такую же копию фильма, но уже в негативе, а уже с этой копии производился высококачественный совмещённый интерпозитив (он же мастер-позитив) — изображение с перезаписанной звуковой дорожкой и наложенными титрами. И после этого уже с мастер-позитива создавались прокатные фильмокопии или DVD.

Процесс монтажа фильма, снятого на плёнку. Источник: hazlitt.net

Свою работу режиссёры монтажа начинают ещё до старта съёмок: специалист изучает финальную версию сценария, вникает в общую концепцию картины. Для более чёткого понимания возможных вариантов итогового монтажа той или иной сцены монтажёры часто наблюдают за самим процессом съёмок и зачастую монтируют материал в тот же съёмочный день. Раньше монтажёру и сценаристу требовалось думать ещё и о том, чтобы ключевые сцены не длились более 10-15 минут, поскольку технические особенности старых кинопроекторов не позволяли использовать катушки большей продолжительности. Из-за грубого перехода между сценами, наблюдаемого при переключении с одной катушки на другую, из кинокартин часто пропадали некоторые кадры и части диалогов.

Восхищаюсь монтажёрами, работавшими с плёнкой: мне кажется, я бы сошёл с ума в этом кружке кройки и шитья

Монтажёр-фрилансер Кирилл Моргунов о профессии:

«Для меня монтаж — это работа, творчество и медитация одновременно. Если материал приходит мне с абстрактным ТЗ, то я могу часами пробовать разные варианты и приёмы: от «Jump Cut» (монтажный приём, часто применяемый в монтаже интервью, позволяющий фильму совершить резкий прыжок во времени) и эффекта Кулешова (появление нового смысла от сопоставления двух последовательных кадров) до каких-то собственных идей. Восхищаюсь монтажёрами, работавшими с плёнкой: мне кажется, я бы сошёл с ума в этом кружке кройки и шитья. Сейчас всё гораздо проще: материал отправляют по интернету, и тебе нужно просто освоить пару программ для работы с ним. А, ну ещё обладать чувством прекрасного, конечно».

682
Написать свой комментарий...